• Nació en 1903. Sus máximos logros se encuentran dentro de la fotografía experimental trabajando con materiales de muy distintas características: paredes descascaradas, papeles arrugados, metal oxidado, etc. Dejó de utilizar en sus tomas al sujeto como elemento principal de una fotografía, para ubicarlo como elemento de una composición abstracta, pues consideraba que el fotógrafo es quien debe aportar el sentido y la belleza de sus fotografías y no los objetos que éstas contengan. De su mano la fotografía abstracta de EE.UU. logró proyectarse a todo el mundo.
Sus imágenes se caracterizan por el fuerte contraste tonal, la perfecta reproducción del detalle y la ausencia de profundidad. Decía: “No me interesa la naturaleza, sino mi propia naturaleza”.
• Es el fotógrafo más representativo de la corriente conocida como Nueva Objetividad, surgida entre las guerras mundiales. Como reacción ante la llamada fotografía artística, desarrolló un estilo dirigido a la exactitud y precisión en la reproducción de las formas.
Se diferenció de las tendencias artísticas experimentales practica-das por la mayoría de las vanguardias, a las que consideraba caprichosas y de las que se mofaba irónicamente, diciendo de ellas: “La receta del éxito: fotografiar desde arriba o desde abajo, ampliar o reducir al máximo. El tacho de desperdicios es el tema más gratificante”.
• Fue pintor, escultor, artista gráfico y fotógrafo. Se convirtió tempranamente en uno de los líderes del arte de la vanguardia constructivista rusa. Realizaba fotomontajes en los que buscaba ofrecer, a partir de materiales fotográficos preexistentes, un equivalente visual de los versos del poeta Vladimir Mayakovski.
A partir de 1924 comenzó a tomar fotografías que se destacan por sus ángulos picados o contrapicados, los fuertes escorzos, el abundante uso de diagonales y la utilización de cámara oblicua. Según Rodchenko, una nueva forma de ver, incluso las cosas cotidianas, rompería con una forma de ver tradicional y posibilitaría una nueva toma de conciencia que reafirmaría la Revolución Socialista.
• Fue probablemente el fotógrafo estadounidense más importante de todos los tiempos. No sólo por su trabajo, sino por difundir la obra de fotógrafos y pintores, tanto americanos como europeos.
Fundó el grupo pictorialista Photo Secession. Si bien el pictorialismo perduró, Stieglitz logró desprenderse de él para realizar imágenes más puras, libres de las manipulaciones de la pintura como técnica elaborada.
• Nació en Budapest. Estuvo muy vinculado con el ambiente de los artistas plásticos. Se dedicó a la fotografía de carácter cotidiano, destacándose en la composición y dominio de la luz. Incursionó en el color haciendo naturaleza muerta. Buscaba la belleza en cosas cotidianas.
Entre sus trabajos realizó desnudos con espejos curvos.
La obra de André Kertész está presidida por la espontaneidad y una extraordinaria percepción para captar de-talles, muestra sensibilidad pictórica en sus imágenes. No es tan realista como Cartier Bresson; se trata de una obra más personal y menos periodística, capta la vida en todas sus formas con humor y naturalidad.
• En 1939 empezó a trabajar con una cadena de estudios fotográficos donde se hacían retratos rápidos por un precio módico.
Interesado en el arte, y en particular la pintura, comenzó a hacer retratos de los artistas contemporáneos (1942-1945). En 1946 abrió su estudio en Nueva York, donde se desempeñó como fotógrafo retratista. En este género desarrolló un estilo muy personal, conocido como “retrato de ambiente”. La expresión designa esa particularidad suya de incluir objetos característicos del ambiente en que se desenvuelve la persona retratada, que remiten a su actividad y su forma de pensar. A propósito de su trabajo, Newman afirmó: “Yo no me intereso demasiado por el aspecto puramente documental. Por el contrario, prefiero reflejar las impresiones que me produce cada individuo, por medio de ese lenguaje en permanente evolución que es la fotografía”.
• De origen alemán, fue retratista y fotógrafo de arquitectura e industria.
En 1920 inició su serie “Hombres sin máscara”, fotografiando personajes anónimos que tipificaban diversas profesiones y estratos sociales. En 1934 la oficina de asuntos culturales de Hitler consideró que sus imágenes contradecían a los ideales germánicos y ordenó destruir las planchas de impresión y confiscar los negativos. Sus trabajos constituían un canto a los personajes anónimos y a sus tareas, apreciándose una gran satisfacción de los retratados por su actividad.
• Aprendió fotografía en París como ayudante del pintor y fotógrafo surrealista Man Ray. Realizó reportajes, paisajes y retratos.
Sin embargo, la fama se la dieron sus fotografías de cuerpos deformados, que generalmente se concentraban en un detalle. Las publicó en su libro Perspectiva de desnudos (1961) y causó indignación por la osadía de deformar el cuerpo femenino, valiéndose de recursos estrictamente fotográficos. Sus imágenes captaban sujetos en pose, con luz artificial y se distinguían por un marcado claroscuro.
• Brassai amó la pintura, el teatro y, sobre todo, la ciudad de París. Comenzó como periodista, pero posteriormente se inclinó hacia la fotografía, captando durante años el barrio de Montmartre.
Se dedicó a fotografiar a los protagonistas de la calle, personajes característicos y excéntricos.
Registró así una serie de retratos de características sumamente interesantes.
En 1932 publicó el libro París de noche, con tomas preciosistas de gran calidad técnica pese a las malas condiciones lumínicas: noctámbulos, vagabundos, prostitutas, parejas de amantes y bailarinas, entre otros.
• Nació en New Jersey; en su niñez padeció poliomielitis. Dorothea Lange era retratista, sus retratos eran hechos a personas en su contexto social en las calles de San Francisco. Dorothea Lange junto con Walker Evans fueron los creadores de la estética que identificó toda las obras de F.S.A. Hizo fotografía “Live” (viva); también hizo “Retrato Sociológico” esto es la interpretación de una situación o de condiciones sociales a través de la representación del rostro humano, de sus gestos, y esto fue lo que caracterizó su obra.
• Son muy conocidas sus fotografías secuenciales, cuyo orden modifica la recepción del espectador. Es una de las formas de incluir lo temporal en la imagen. En sus secuencias, de tres a quince fotos, consigue contar historias que no constituyen variaciones cerradas en sí mismas, sino acontecimientos misteriosos que lanzan interrogantes e incitan a la reflexión del observador. Más tarde, agregó textos, pues consideraba que la palabra acrecentaría el potencial cognoscitivo de la narración visual.
• Weston, quien en un principio hizo fotografía pictorialista, trabajó posteriormente con gran nitidez y amplia gama tonal en formas sencillas y aisladas, en su mayoría naturales.
Es un fiel representante de la fotografía directa americana.
Vivió en México con la fotógrafa Tina Modotti que era su modelo, su discípula y su amante. Allí se integró al ambiente artístico de Diego Rivera, Frida Kahlo, Orosco y Siqueiros, pero sin asumir un compromiso político. Fue fundador, junto a Imogen Cunningham y Ansel Adams del grupo f 64, que buscaba gran nitidez de imagen recurriendo a las profundidades de campo que producen los diafragmas muy pequeños.
• Utilizó el humor en cada una de sus tomas, muchas veces relacionadas con perros.
Decía: “Mi timidez me ayudó a ser fotógrafo. Ver a través del objetivo hace que uno no enfrente directamente la situación, es como despersonalizarse. Tengo una identificación particular con los perros, ladro como ellos, cosa que uso bastante cuando hago fotografía. Suelo llevar escondida en el bolsillo una corneta que hago sonar durante la toma, cosa que sorprende al modelo y, salvando alguna excepción, da un buen resultado. Mis fotos, en cierto sentido, son políticas, con ellas quisiera mostrar la comedia humana. ¿O no es acaso esta la definición de la política? Tengo siempre mi máquina conmigo. Gran parte de mi vida está con ella registrando lo bueno y lo malo”.
• El reportero gráfico y doctor en derecho Erich Salomon tenía varias peculiaridades: utilizaba cámaras de formato pequeño y objetivos muy luminosos para la época, no utilizaba flash de mercurio para pasar inadvertido, se valía de los más ingeniosos ardides para entrar en las reuniones de ministros y cenas donde no había sido invitado y así tomar fotografías sin que se lo advirtiese. En consecuencia, es considerado el inventor de la llamada fotografía cándida. Por ser de origen judío, el nazismo lo mató en una cámara de gas en Auschwitz en 1944, junto a un hijo y su esposa.
• Nació en Austria. Empezó a hacer fotografía desde niño. Este fotógrafo hizo un imaginativo y evocador uso del color, colocándolo como motivo principal en la creación de cada una de sus tomas. Trabajó para revistas como Der film y Heute, Life, Look, Holiday y Vogue. Hace fotos de exteriores (naturalezas y ciudades).
Transmite la esencia de una escena a través de un modelado impresionista de la luz y el color. Sus imágenes están difuminadas con tal destreza que el sujeto es reconocible en la toma y los colores se extienden sin llegar a confundirse.
• Se interesó por el análisis del movimiento humano y animal e inventó un fusil fotográfico, precursor de la filmadora cinematográfica, que produce imágenes sucesivas captadas a una velocidad de 1/720 de segundos. Con este dispositivo produce una imagen única y sintética del movimiento.
La técnica ideada por Marey recibió el nombre de cronofotografía y muestra cada fase del movimiento en su correcta posición espacial en relación con todas las demás fases registradas en la misma placa. Además, las imágenes contiguas y superpuestas del aparato cronofotográfico revelan los patrones de continuidad del movimiento en sí mismo. Sus cronofotografías son un importante paso en la evolución hacia el cine, el futurismo y el pop-art.
• Nació en los suburbios de París y quedó huérfano a los 5 años, muriendo en la miseria.
En respuesta a la necesidad de los nuevos maestros de la pintura modernista, de perspectivas documentalistas, Atget fotografió monumentos, bulevares, plazas, calles, fachadas y rincones de los alrededores de París. También, captó los vestigios de un pasado artesano: repartidores de pan, pescadores, cantantes callejeros, limpiabotas, traperos y colchoneros.
Sus esquemáticas fotografías, sin ninguna intención artística, están tomadas con granangulares, tiempos largos de exposición, diafragmas pequeños y copiadas a placa completa. A pesar del carácter documentalista, sus imágenes poseen una visión surrealista.
• Nació en Kansas en el año 1918. Eugene Smith en sus fotografías resalta la condición humana para ayudar a la humanidad a verse, conocerse y curarse. Captura el momento de la forma más honesta, es fiel a los objetivos y a los lectores.
Las obras más destacadas de este fotoperiodista son, las de la segunda guerra mundial y la post-guerra. Calificó a sus fotografías como “Sumario de Guerra”. Eugene Smith trabajó por primera vez para la revista Newsweek, de la cual fue despedido por usar una cámara miniatura 2 ¼ x 2 ¼, porque se decía que era un instrumento inmoral que invadía la privacidad. Era perfeccionista. Su inclinación a la autodestrucción, las anfetaminas y el alcohol, hizo que su muerte sea a los 60 años.
Sus últimos años fueron de trabajos cada vez más sombríos y artísticos, imágenes de una existencia caótica, desordenada y oscura. Su trabajo en “Minamata”, un pueblo de Japón contaminado por el mercurio, lo marcó como artista y periodista.
• El estadounidense Bruguiére experimentó dentro del campo de lo abstracto. A partir de 1912 comenzó a hacer fotografía con doble exposición.
Su trabajo profesional como fotógrafo de teatro, lo indujo a manipular la luz aplicada a la iluminación de papeles recortados, produciendo así sus mejores trabajos.
“Una fotografía –dice– puede ser una cosa por sí misma, existir independientemente en tanto que fotografía, sin tener en cuenta el tema. Puede tener una vida propia”.
Su máxima producción se encuentra entre los años 1929 y 1940, año en que abandona la fotografía para dedicarse a la pintura.
• Trabaja una imagen construida sobre sutiles relaciones de espacio, forma, dibujo y color. Emplea diapositivas y las refotografía para pasarlas a negativo. Subexpone la imagen para lograr mayor saturación en los colores. Utiliza objetivos zoom y distancias focales entre 24 y 300 mm. Evita la evidencia de la perspectiva lineal. Fontana dice: “Mi operación de búsqueda consiste en aislar, en el espacio y en el tiempo, lo que normalmente se pierde y se mezcla en la infinidad de los detalles. Este trabajo responde a una exigencia interior propia: hallar una unidad armónica mediante la supresión de todos los elementos que estorban”.
• Conocido como Nadar, fue probablemente el fotógrafo retratista más importante del siglo XIX. En 1853 abrió su estudio fotográfico, que se convirtió en un lugar de reunión de la intelectualidad parisina. Sobre el frente había un cartel iluminado a gas en el que se leía una única palabra: “Nadar”; estaba pintado de color rojo tanto por fuera como por dentro y con este mismo color se vestía generalmente Nadar, para dejar en claro su simpatía con la izquierda republicana y liberal.
Trabajaba con fondos lisos y oscuros para que sólo el modelo retuviera la atención e indagaba en lo esencial del carácter del retratado. No utilizaba el retoque para mejorar lo estético ni tampoco coloreaba las fotos. Colocaba a sus modelos verticales y hacía las tomas de ¾ de cuerpo. Empleaba luz natural de claraboyas, sol directo y algún reflector; la dirección de la luz era lateral o casi cenital, produciendo un fuerte modelado con un marcado claroscuro.
• La obra de Callahan se caracteriza por el uso de líneas y motivos rítmicos y por la sencillez de las formas. Busca sus temas en la naturaleza para explorar sus cualidades abstractas. Muchas de sus formas vegetales y de sus paisajes carecen de profundidad debido al ángulo de toma o a la utilización de negros y blancos o de una estrecha gama de grises.
Aplica técnicas de subexposición y sobrerrevelado, múltiples exposiciones, sobreimpresiones y papeles de alto contraste para lograr simplificar al máximo el diseño de sus obras.
• Este fotógrafo se sentía más cómodo haciendo tomas en Blanco/Negro, solía decir que cuando hacía trabajos en color, trataba que los colores del maquillaje no armonicen con la ropa, sino que ambos compitan. Trabajaba con lente normal o con teleobjetivo
Le gustaba trabajar con el sol del mediodía, nadie se atrevía a sugerirle ni siquiera una idea. Para él no había diferencia cuando trabaja para Playboy o para Vogue. Las claves de su talento estaban más en su intuición que en sus recursos técnicos, lo que él llamaba “Previsualización”, lo que dictaba su imaginación. Se fascinaba sacando gente común en lugares comunes.
A Helmut Newton se le atribuye haber introducido el sexo en la fotografía de modas, sin ningún tipo de maquillaje.
• Es reconocido como el mejor fotógrafo de todos los tiempos.
Se hizo famoso por su idea del momento decisivo (la captación de lo efímero), conjugando los acontecimientos con composiciones rigurosas que muestran una excelente visión global de lo que fotografiaba. Registraba los aspectos de la vida diaria que pasan generalmente inadvertidos, interesándose por lo natural y típico, más que por lo sensacional.
Sus imágenes no se basan en la utilización de ningún instrumento o técnica especial, como iluminación artificial, sino que prefería la película rápida cuando la luz era débil. Enviaba las copias a un laboratorio profesional, para así dedicar más tiempo a tomar fotografías.
Solía decir: “Fotografiar es una manera de vivir. Es poner la cabeza, el ojo y el corazón sobre un mismo eje”.
• Sus comienzos en fotografía se remontan al año 1901. Fue luego pionera del pictorialismo en la costa Oeste, antes de unirse al grupo f 64. Lo más representativo de su obra son los primeros planos de plantas y flores a las que transforma en semiabstracciones a través de hábiles manejos del encuadre y de la luz. Fue una profunda conocedora de la técnica de positivado, y realizó ella misma sus copias hasta una edad muy avanzada, las que llegaron a cotizarse en la década del ‘70 a unos seiscientos dólares cada una.
Adolfo el superhombre, come oro y escupe idioteces,
1932
• John Heartfield (pseudónimo de Helmut Herzfeld) comparte con el dadá Raoul Haussmann la paternidad del fotomontaje artístico pero reconociendo que los trabajos de este último tienen una mayor plasticidad.
Fue a partir de 1930 uno de los principales colaboradores del periódico Arbeiter Illustrierte Zeitung (AIZ) donde sus fotomontajes aparecían mensualmente. Todos sus trabajos tienen carácter político y los utilizó para satirizar implacablemente a Hitler y al Tercer Reich eludiendo a la censura; en sus propias palabras, “decir con imágenes lo que la censura me hubiera impedido decir con palabras”. De esta manera lo utilizó para transmitir su ideología marxista y su oposición al nazismo, pero hay que aclarar que Heartfield no era fotógrafo, sino un simple utilizador de la imagen fotográfica, pues combinaba elementos de distintas ilustraciones y su trabajo solo presenta sentido si se tiene en cuenta su aplicación política.
• Inglés, sus trabajos son sencillos en su principio y complejos en sus efectos. Consiste en yuxtaponer dos o tres tomas de una misma realidad, variando simplemente algunos de los parámetros de la toma, de tal manera que el espectador, enfrentado a los dos (o tres) clichés, tenga la impresión de hallarse tal vez ante objetos completamente distintos. Es decir, experimenta una perturbación perceptiva y se interroga sobre las condiciones de la visión y, sobre todo, sobre el trabajo fotográfico. Sus primeras series datan de mediados de los años 70. Hilliard trabajó sistemáticamente sobre el parámetro de la preparación en una profundidad de campo mínima y luego hizo recaer sus operaciones sobre los demás parámetros fotográficos (el encuadre, la velocidad, la luz, el muestreo de color).
• Inglesa, nacida en Calcuta, comenzó a hacer fotografía a los 48 años de edad. Era intelectual y adinerada, su esposo tenía plantaciones en la India. Transformó un gallinero en un estudio de cristal en el que controlaba la luz regulando persianas enrollables; aunque en verano trabajaba al aire libre utilizando como fondos paredes con enredaderas.
Su técnica era muy desprolija, utilizaba el colodión húmedo, y aunque podría haber incorporado adelantos que le hubiesen disminuido mucho el tiempo de exposición (entre 2 y 6 minutos), ella prefería esos tiempos largos que por los inevitables movimientos de sus modelos sumados a desenfoques intencionales y a las aberraciones del lente producían una falta de definición que era lo que ella buscaba para captar el contenido eterno de sus personajes eliminando lo casual y momentáneo.
• Las fotografías de Blossfeldt son estudios de la estructura vegetal, poniéndola en evidencia y presentándola como un modelo. Sus tomas directas conjugan el estudio de la naturaleza con composiciones muy estudiadas que reflejan una interpretación poética de la relación entre arte y naturaleza. Por esto el nombre de su libro más famoso: Urformen der Kunst (Arquetipos del arte).
• Pintor húngaro, a partir de 1923 fue profesor en el taller de metales en la Bauhaus. Moholy-Nagy trabajó sobre la imagen en la cultura industrial moderna, analizando y utilizando la fotografía, en un principio, como soporte para las investigaciones, para luego convertirla en objeto de una investigación específica.
Decía: “Hay que crear al mismo tiempo que se produce, y abrir nuevos campos a la experiencia humana”.
Trabajó, en muchos casos, colocando objetos sobre una hoja de papel fotográfico y exponiendo el conjunto a la luz. El fotograma así obtenido presenta un parecido a una radiografía y da la sensación de revelar algo de la vida interna de los objetos.
• Pertenece a la llamada fotografía directa que busca la expresión a través de las formas y no de la moral. Se nutre del paisaje urbano y suburbano, jugando con multiplicidad de planos y objetos, para generar una particular inquietud en el espectador, que pierde el referente real.
Sus imágenes se basan en el orden dentro del caos, transmitiendo una profunda soledad.
• Lewis Carroll es el autor de Alicia en el País de las Maravillas, publicado en el año 1865. Fue uno de los primeros fotógrafos aficionados, realizó memorables retratos de personalidades de la época victoriana. Su gran obsesión eran las niñas, a las que fotografiaba con largos camisones y a veces desnudas. Carroll fue fotógrafo durante 24 años, realizó gran cantidad de fotografías preparando sus propias placas. En la terraza de su casa tenía una especie de embudo de vidrio similar a un invernadero, para aprovechar mejor la luz del día.
Se diferencia de los fotógrafos de su época porque a él no le gustaba recargar a los modelos con decorados artificiales, sino que prefería ubicarlos entre plantas naturales. Fue uno de los primeros fotógrafos amateurs.
Este fotógrafo decía: “Las niñas desnudas son tan perfectamente puras y encantadoras”.
• Nació en EE.UU. Fue pintor, diseñador, fotógrafo y cineasta. No respetaba las reglas de la fotografía. Experimentó con solarizados y rayogramas (fotogramas realizados con rayos de luz directa sobre el material sensible). Fue un revolucionario. Utilizó maniquíes y desnudos con cierta carga erótica.
Sus realizaciones siempre trasuntaron un dominio completo del proceso y un desinterés absoluto por la técnica misma. Los contornos de sus figuras resultaban bien delimitados. Fotografiaba el mundo interior. La fotografía fue para él un estado mental, una condición del espíritu, un juego o una adivinanza que proponía a los demás o a sí mismo. Trataba de tomar el lado insólito de las imágenes.
• Húngaro, trabajó como fotoperiodista en Alemania para el periódico burgués Berliner Illustrierte Zeitung. A partir de 1933 se afincó en EEUU donde su estilo sufrió una metamorfosis impulsado por un importante contrato con la revista Harper’s Bazaar y se dedicó a la fotografía de modas en la que introduce el deporte, la vitalidad, el aire libre y la salud corporal.
Su obra la podemos poner en la conjunción de la fotografía deportiva, de moda, periodística, e incluso en la búsqueda plástica pura.
Al final de su vida Munkacsi se dedicó a la pintura y la literatura. Richard Avedon reconoce en él a su inspirador.
• Nació en Minneapolis. Consideraba la fotografía como un arte parecido a la literatura. Para él pasar de la poesía a la fotografía equivale a cambiar de medio sin variar en lo esencial.
Es fundamentalmente un maestro que centra su enseñanza en el enriquecimiento espiritual de sus alumnos. El libro que sirve a White de guía (y a otros grandes maestros contemporáneos como Cartier-Bresson) es el Zen in the Art of Archery de Eugen Herrigel.
Aplica la noción de equivalencia de Stieglitz, que indica que una fotografía semiabstracta podía evocar determinadas emociones. “En la práctica, la equivalencia es la habilidad para usar el mundo visual como material plástico para los propósitos expresivos del fotógrafo”. Una equivalencia funciona como una metáfora. “Si la cámara registra magníficamente, todavía transforma mejor”. Hacer una foto es en primer lugar hacer el vacío en si mismo, ponerse en un estado de receptividad extrema. “Mientras crea, la mente del fotógrafo está en blanco. Debería añadir que esta condición se da sólo en casos especiales, principalmente cuando se buscan imágenes. Es un estar en blanco especial. ...Cualquier fotografía, cualquiera que sea la fuente, puede funcionar como un equivalente para alguien, en algún momento, en algún lugar”.
• Su personalidad domina la historia de la fotografía alemana de la posguerra. Se recibió de médico en 1934. En esa época ya practicaba la fotografía como aficionado, y terminó por renunciar a la carrera de médico en aras de su pasión. Organizó en 1951 la primera de sus tres exposiciones, cuyo titulo “Fotografía subjetiva” designaría más tarde toda una corriente estilística. En el catálogo de su segunda exposición, Steinert escribía: “Con mayor razón nos sentimos obligados [...] a estimular todas las iniciativas creadoras que contribuyen activamente a producir una imagen fotográfica elaborada y actual y que generan una verdadera sensibilización ante la calidad fotográfica de la imagen”. Las copias contrastadas, los encuadres ajustados, las estructuras abstractas, las situaciones que producen un efecto surrealista, las copias en negativo y las solarizaciones, fueron los medios de expresión.
• Utilizaba formas documentales de gran objetividad, nada artificiosas. Entre sus temáticas estaban los retratos de personas marginadas que nos mostraban su firme postura política con respecto al sentido social de la fotografía.
En 1950 emigró a Europa huyendo del Mac-carthysmo, allí editó varios libros, murió finalmente en París. Strand en su temática se apartó del mundo sofisticado de la estética clásica para centrarse en un mundo realista. El texto de Strand para esas fotografías parece un manifiesto precoz del movimiento de la Nueva Objetividad de mediados de los años 1920: “La objetividad es la esencia misma de la fotografía, es su contribución y al mismo tiempo su limitación... La honestidad no menos que la intensidad de visión es el prerequisito de una expresión llena de vida”. Su completa realización es lograda sin trucos ni manipulaciones, sino mediante el uso de métodos fotográficos puros.
• Nació en Budapest. Su nombre verdadero era André Friedman. Robert Capa es considerado como el más notable corresponsal de guerra del siglo XX. Cubrió la guerra civil Española, el conflicto entre China y Japón y la segunda guerra Mundial. Fue herido al pisar una mina en Indochina en el año 1954, lo que ocasionó su muerte. Robert Capa fundó con Seymour y Cartier-Bresson la agencia Magnum Photo. Trabajó en principio como operador cinematográfico en Berlín. Durante su carrera documentó las más eficaces y dramáticas imágenes de guerra, como así también las más veraces, honestas, sobrias, de clara sencillez descriptiva, pero sobre todo privada de cualquier retórica.
• Mapplethorpe era clásico en su concepción, limpio en su técnica, cuidadoso en la composición, virtuoso en los matices del blanco y negro. Su originalidad se basaba en la temática: erotismo y sexo. Su tema central eran los retratos, autorretratos, flores y desnudos. Decía: “Mi trabajo se refiere al orden, soy un perfeccionista”.
Sentía pasión por la clase alta. Retrataba el ambiente gay, fotografiaba tulipanes u orquídeas que elaboraba como símbolos sexuales masculinos.
• Comenzó su carrera de fotógrafo con una serie de imágenes sobre la arquitectura victoriana norteamericana y un reportaje sobre las agitaciones políticas en Cuba durante 1933. Fue uno de los fotógrafos documentales más talentosos de su generación.
En 1935, Evans fue llamado a colaborar con la F.S.A. (Farm Security Administration), una oficina federal que, durante los años de la depresión de EE.UU., se encargaba de desarrollar programas de ayuda para los campesinos y aparceros. Sus fotografías informaban al público sobre la extrema pobreza de la población del campo. Este trabajo fue el más importante de toda su obra.
Desfile del Día de Acción de Gracias,
Nueva York, 1954
• Nació en Nueva York. Es pintor, diseñador gráfico y cineasta (de films publicitarios y documentales). William Klein es uno de los primeros fotógrafos en descubrir la expresividad utilizando gran angulares. En su volumen “New York” intentó, con hábiles deformaciones, con imágenes de tonos exasperados, casi gráficas, expresar de forma dramática la atmósfera de pesadilla de la ciudad. Klein confiesa, “Hice muy conscientemente lo contrario de lo que se hacía. Pensaba que el desencuadre, el azar, el aprovechamiento del accidente, una relación distinta con la cámara permitirían liberar la imagen fotográfica. Hay cosas que sólo una cámara puede hacer.... La cámara está llena de posibilidades que no se explotan. Pero en eso consiste la fotografía. La cámara puede sorprendernos. Hay que ayudarla”.
• Nació en Armenia. Pertenece a los fotógrafos subjetivos que buscan su expresión individual a través de las imágenes.
Se dedicó al retrato; sus modelos eran personalidades de la política, del arte, de las ciencias y del espectáculo. Gran conocedor de las difíciles técnicas de la iluminación clásica, las utiliza para dar a sus retratos una gran fuerza expresiva y una aguda penetración psicológica, generando una influencia plástica en los rostros y en las demás partes del sujeto. Una foto de Churchill en la tapa de Life fue su foto más famosa.
A su muerte su archivo de negativos fue adquirido por el gobierno canadiense en tres millones de dólares.
